TV-Sender: Arte

2024 feiert die Musikwelt den 200. Geburtstag des großen Romantikers Anton Bruckner. Kaum jemand ist mit seinen Kompositionen so vertraut wie der schwedische Dirigent Herbert Blomstedt. In der prachtvollen Stiftsbasilika St. Florian in Oberösterreich führt er an seinem eigenen 97. Geburtstag Bruckners letztes Werk, die 9. Symphonie, auf. Es spielen die Bamberger Symphoniker.

Das doppelte Geburtstagskonzert findet nicht zufällig im Stift St. Florian nahe Linz in Oberösterreich statt. Dort hat Anton Bruckner seine musikalische Laufbahn als Florianer Sängerknabe begonnen und als Organist fortgeführt. In seinem späteren Leben zog es ihn immer wieder in das Stift zurück, wo er unter der Orgel auch seine letzte Ruhestätte fand. Für Herbert Blomstedt, den wohl dienstältesten Dirigenten weltweit, ist Bruckner ein Genie und der größte Symphoniker seit Beethoven. Kein Komponist wiederum wird so sehr mit Herbert Blomstedt assoziiert wie Anton Bruckner. Und kein Dirigent hat sich intensiver mit Bruckner auseinandergesetzt als er.

»Alle große Musik ist schwierig, wenn man sie schön und ehrlich und mit Achtung vor dem Komponisten dirigieren will. Bruckner erfordert außerdem Ruhe, die viele nicht haben. Er hat eine sehr weite Sicht. Mit einem Horizont, der einem sagt: Es gibt da am Ende der Welt etwas Langes und Schönes und Großes, das ewig bleibt«, sagt Blomstedt über das Werk Bruckners. Mit dem Orchester des Geburtstagskonzerts, den Bamberger Symphonikern, ist Herbert Blomstedt seit Jahren eng verbunden. Er ist ihr Ehrendirigent und dirigierte sie bei über 200 Konzerten.

Bamberger Symphoniker, Herbert Blomstedt

Anton Bruckner: Sinfonie Nr. 9 in d-Moll, WAB 109

Stiftsbasilika St. Florian Oberösterreich, Juli 2024

Mit Gustave Flauberts »Madame Bovary« hat der deutsche Choreograph Christian Spuck einen der bedeutendsten Romane der Weltliteratur für das Ballett adaptiert. Im Zentrum der Geschichte steht die junge Emma Bovary, die sich gegen die provinzielle Enge aufbegehrt, in der sie lebt. »Bovary« ist ein Tanzstück über unstillbares weibliches Begehren, Konsumlust, Rausch und Einsamkeit.

Choreographie: Christian Spuck
Bühne: Rufus Didwiszus
Kostüme: Emma Ryott
Licht: Martin Gebhardt
Video: Tieni Burkhalter
Orchester der Deutschen Oper Berlin, Jonathan Stockhammer
Staatsballett Berlin
Mit Alexei Orlenco, Alexandre Cagnat, David Soares, Weronika Frodyma (Emma Bovary)
Adrian Oetiker (Klavier)
Marina Frenk (Sprecherin)

Deutsche Oper Berlin, 20. Oktober 2023

2024 wird Anton Bruckners 200. Geburtstag gefeiert. 1824 wurde er in Ansfelden in Oberösterreich geboren. 1884 begann er mit der Arbeit an seiner achten Symphonie. Diese wird nun im Concertgebouw in Amsterdam, einem der akustisch besten Konzertsäle der Welt, vom Royal Concertgebouw Orchestra gespielt, unter dem Dirigenten Manfred Honeck. Die Komposition streckte sich mit verschiedenen Fassungen und Überarbeitungen über mehrere Jahre hinweg: 1890 war sie fertiggestellt und 1892 kam es in Wien zur erfolgreichen Uraufführung. Mit über achtzig Minuten wurde die »Achte« zur längsten Symphonie der Musikgeschichte, bis Gustav Mahler 1896 mit seiner dritten Symphonie einen neuen Rekord mit neunzig Minuten setzte.

Royal Concertgebouw Orchestra, Manfred Honeck

Anton Bruckner: Sinfonie Nr. 8 c-Moll

Concertgebouw Amsterdam, Juni 2024

Der Cellist Mischa Maisky ist einer der ganz Großen seines Fachs. Zum 50. Bühnenjubiläum gibt er mit Paavo Järvi und der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen ein Konzert mit Werken, die sein Leben in besonderer Weise geprägt haben. Ob zusammen mit seiner Freundin Martha Argerich oder im Trio mit seinen Kindern, Maisky geht es um die Emotionen beim Spiel.

»Nach 50 Jahren auf der Bühne gibt es immer noch viele Herausforderungen, Träume und Ambitionen für die nächsten 50 Jahre.« sagt Mischa Maisky mit einem Augenzwinkern. Der 75-jährige Star-Cellist zeigt mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen unter der Leitung von Paavo Järvi, dass er immer noch wie ein »heißblütiger Jungspund« (Hamburger Abendblatt) musizieren kann.

»Mein wichtigstes Lebensmotto: Perfektion ist der Feind des Guten.« Für Mischa Maisky ist das Cello kein Mittel, um technisches Können zu demonstrieren. Nicht die Perfektion steht für ihn im Zentrum, vielmehr geht es ihm um Emotionen im Augenblick der Interpretation, die er seinem Publikum möglichst ungefiltert vermitteln möchte.
Mit seiner langjährigen Freundin, der Pianistin Martha Argerich, sowie der Geigerin Janine Jansen im Konzert in Kiel ist diese emotionale Verbindung mit dem Publikum intensiv zu spüren. Und auch wenn Mischa Maisky immer noch viele Träume für die Zukunft hat, einen Herzenswunsch hat er sich bereits erfüllt: Gemeinsam mit seinen Kindern Sascha (Violine) und Lily (Klavier) geht er als Familientrio auf Konzertreisen.

Maisky wuchs in einer jüdischen Familie mit ukrainischer Herkunft in der ehemaligen Sowjetunion auf, begann als Achtjähriger mit dem Cellospiel und erhielt seine Ausbildung von zwei der großen Meister des Cellos: Mstislaw Rostropovich und Gregor Piatigorsky. Durch mehrere Brüche in seinem Leben – sein Vater starb, als er 18 war, seine Schwester wanderte kurz darauf aus, er selbst verbrachte zwei Jahre in einem Arbeitslager – entwickelte Maisky eine besondere Sensibilität, die man seinem Spiel anhört.

Das Leben des Komponisten Luigi Nono (1924-1990) ist die Geschichte eines leidenschaftlichen Kämpfers für eine bessere Welt, eines Forschers nach neuen Klangmöglichkeiten und eines Venezianers mit Leib und Seele. Schon bald nach 1945 etablierte er sich neben Karlheinz Stockhausen und Pierre Boulez als einer der größten Vertreter der Nachkriegs-Avantgarde für Neue Musik. Was Nono, der 1955 Arnold Schönbergs Tochter Nuria heiratet, von seinen zeitgenössischen Kolleginnen und Kollegen unterscheidet, ist seine politische Haltung, die in den 60er Jahren immer rigoroser und radikaler wird.

Sein leidenschaftliches Eintreten für den Kommunismus isolierte ihn zunehmend. Nonos Biografie macht so den »europäischen Sonderweg« Italiens anschaulich und erweitert die musikalische um eine kulturgeschichtliche Perspektive. Nach mehreren privaten Krisenmomenten erkennt Nono, dass er sich sowohl politisch als auch künstlerisch in einer Sackgasse befindet. Um 1980 erfindet er sich neu, seine Musik verändert sich grundlegend.

Im Experimentalstudio der Heinrich-Strobel-Stiftung des damaligen SWF in Freiburg entstehen live-elektronische Werke, die mit ihrer Ästhetik der Innerlichkeit bis heute großen Einfluss auf Komponistinnen und Komponisten haben. Zum Werk seines letzten Lebensjahrzehnts gehört »Prometeo«, auch die »Tragödie des Hörens« genannt, in der sich die Mehrchörigkeit des Markusdoms in Venedig auf ungeahnte Weise neu entfaltet.

Die Dokumentation thematisiert die zentralen Episoden in Nonos Leben und lässt dabei neben seiner Frau Nuria Schoenberg-Nono und seiner Tochter Serena Nono auch seinen Schüler Helmut Lachenmann sowie den Dirigenten Ingo Metzmacher, die Geigerin Patricia Kopatchinskaja und den Flötisten Roberto Fabbriciani zu Wort kommen.

Mit der Konzertreihe »Ouverture spirituelle« widmen sich die Salzburger Festspiele in diesem Jahr einer der großen philosophischen Fragen unserer Zeit: Was darf ich hoffen? Aus diesem Anlass werden zwei besondere musikalische Werke des 20. Jahrhunderts aufgeführt: die Kurzoper »Il prigioniero« von Luigi Dallapiccola und »Il canto sospeso« von Luigi Nono. ARTE überträgt dieses besondere Konzertereignis aus der berühmten Kulisse der Felsenreitschule und feiert damit nicht nur die Kraft der Musik, sondern auch die schöpferische Vielfalt.

Luigi Dallapiccolas in den 40er Jahren entstandene Kurzoper »Il prigioniero« (Der Gefangene) ist sowohl in politischer wie ästhetischer Hinsicht ein bewegendes Schlüsselwerk des Widerstands gegen den Faschismus. In die Zeit der Spanischen Inquisition versetzt, erfährt Dallapiccolas Held die schlimmste aller Foltermethoden: die Zerstörung der Hoffnung. Das ausdrucksstarke Werk thematisiert existentielle Begriffe wie Hoffnung und Freiheit – und vor allem deren Missbrauch in Zeiten totalitärer Regime.
Welches Leid und Unglück autokratische Systeme hervorbringen, wird auch im zweiten Werk des Konzertabends erfahrbar. Luigi Nono konzentriert sich in »Il canto sospeso« auf Momente des Leids und des Bangens, indem er Passagen aus den Abschiedsbriefen zum Tode verurteilter europäischer Widerstandskämpfer zur Grundlage seiner Komposition macht. Nono hat an die aufklärerische Kraft der Musik geglaubt und über sie politische Botschaften vermittelt.

Luigi Nono (1924—1990): Il Canto Sospeso
Für Sopran-, Alt- und Tenor-Solo, gemischten Chor und Orchester (1955 / 56)
Letzte Briefe zum Tode Verurteilter aus dem europäischen Widerstand

Luigi Dallapiccola (1904—1975): Il Prigioniero
Oper in einem Prolog und einem Akt (1944—1948, uraufgeführt 1949)
Libretto von Luigi Dallapiccola nach Auguste Villiers de l’Isle-Adams La Torture par l’espérance
und Charles De Costers La Légende d’Ulenspiegel et de Lamme Goedzak

Chor des Bayerischen Rundfunks, Peter Dijkstra
ORF Radio-Symphonieorchester Wien, Maxime Pascal

Mit Caroline Wettergreen (Sopran), Freya Apffelstaedt (Alt), Robin Tritschler (Tenor), Tobias Moretti (Sprecher), Tanja Ariane Baumgartner (Die Mutter), Georg Nigl (Der Gefangene , John Daszak (Der Kerkermeister / Der Großinquisitor), Andrew Lepri Meyer (Priester), Timo Janzen (Priester)

Felsenreitschule Salzburg, Juli 2024

Zum 250. Geburtstag Ludwig van Beethovens bringt das Ensemble um Regisseurin Nicola Hümpel gemeinsam mit dem renommierten Kuss Quartett die Inszenierung »Force and Freedom« auf die Bühne. Im Zentrum des Abends stehen Beethovens späte Streichquartette sowie drei Liedvertonungen des Komponisten. Die Musik wird aus dem traditionellen Konzert-Kontext befreit und mit den typischen Mitteln von Nico and the Navigators mit Tanz, Bewegung und Videoprojektionen ganz neu zugänglich gemacht.

Nico and the Navigators zählen in Europa seit mehr als 20 Jahren zu den wichtigen freien Theater-Ensembles. Mit ihren »Staged Concerts” hat die Berliner Gruppe einen beeindruckend neuen Zugriff auf musikalische Werke entwickelt. Das Kuss Quartett gehört zu den renommiertesten Streichquartetten unserer Zeit, ihre Einspielung der Streichquartette Beethovens zu den Höhepunkten des Beethoven Jahres. In dieser Inszenierung spielen sie unter anderen das Streichquartett F-Dur op. 135 (1826), das Streichquartett C-Dur op. 59, 3 – Finale (1806), Streichquartett in a-Moll op. 132,3, Heiliger Dankgesang eines Genesenen an die Gottheit (1825) sowie die Große Fuge op. 133 B-Dur (1826). Nachdem die Premiere wegen der Pandemie mehrmals verschoben werden musste, fand die Premiere des Stückes im Dezember letzten Jahres als Filmfassung bei ARTE Concert statt.

Mit Kuss Quartett (Streichquartett), Ted Schmitz (Tenor und Performer), Patric Schott (Performer), Yui Kawaguchi (Tanz und Choreographie)

Die Tschechische Philharmonie beschließt ihre Saison traditionell mit einem Open-Air-Konzert auf dem Hradschiner Platz vor der Prager Burg. Diesmal steht das Konzert ganz im Zeichen des Jahres der tschechischen Musik: Petr Altrichter, einer der renommiertesten tschechischen Dirigenten, hat das Programm mit Werken von Antonín Dvořák, Bedřich Smetana, Zdeněk Fibich und Vítězslav Novák zusammengestellt.

Altrichter, bekannt für seine dynamischen und tiefgründigen Interpretationen, lobt die Schönheit, Lyrik und Tiefe, die Erhabenheit und den Witz der Musik seines Landes. Mit dem Vokalsolistentrio – Kateřina Kněžíkov (Sopran), Arnheiður Eiríksdóttir (Mezzosopran) und Jiří Brückler (Bariton) – sowie dem Cellisten Vilém Vlček, dem Gewinner des Internationalen Krzysztof Penderecki Cello Wettbewerbs 2023, möchte die Philharmonie das große Publikum zum Tanzen und Singen anregen.

Tschechische Philharmonie, Petr Altrichter
Mit Arnheiður Eiríksdóttir (Mezzosopran), Jiří Brückler (Bariton), Kateřina Kněžíková (Sopran), Vilém Vlček (Violoncello)

Werke von Dvořák, Smetana, Fibich und Novák

Hradschiner Platz vor der Prager Burg, Juni 2024

Die Uraufführung von Richard Strauss‘ »Elektra« 1909 war der Paukenschlag, der die Moderne einleitete, und ist eine in jeder Hinsicht intensive »Tragödie in einem Aufzuge«. Ein musikalisches Drama, das noch unter dem Einfluss der frühen Psychoanalyse entstand. Das Libretto von Hugo von Hofmannsthal basiert auf dem antiken Drama von Sophokles. Die Monstrosität der Handlung und die musikalischen Mittel stellten alles bisher Dagewesene in den Schatten. Ein Meilenstein des Opernrepertoires unserer Zeit.
Elektra lebt in tragisch erlittener und zugleich selbst gewählter Einsamkeit nur dem Gedanken an den ungesühnten Mord an ihrem Vater Agamemnon und der ständig visionär geschauten Rache an ihrer psychisch zerrütteten Mutter Klytämnestra und ihrem Onkel Aegisth. Dazu bedarf sie allerdings ihres für tot erklärten Bruders Orest, der schließlich doch noch die Bühne betritt und den Racheakt vollzieht. Am Ende führt Elektra einen ekstatisch-rauschhaften Tanz auf und bricht tot zusammen.

Inszenierung: Philipp M. Krenn
Bühne und Licht: Philipp Stölzl
Kostüme: Kathi Maurer
Berliner Philharmoniker, Kirill Petrenko

Mit Nina Stemme (Elektra), Elza van den Heever (Chrysothemis), Michaela Schuster (Klytämnestra), Johan Reuter (Orest)

Festspielhaus Baden-Baden, März 2024

Sie sind die Antipoden der Neuen Musik des 20. Jahrhunderts – Arnold Schönberg und Igor Strawinsky. Ihre kompositorischen Vorstellungen wie ihre Persönlichkeiten stehen in diametralem Gegensatz. Und sie werden unversehens zu Galionsfiguren einer erbitterten Auseinandersetzung zwischen zwei Lagern, in der es bald weniger um Musik als um Ideologie geht. Die Dokumentation erzählt die spannende Geschichte der Rivalität zweier Komponisten, die die Musik des 20. Jahrhunderts und die Ansichten über Musik entscheidend geprägt haben.

Der Respekt, mit dem sich Schönberg und Strawinsky in den 1910er Jahren noch begegneten, wich bald einer erbitterten Fehde über die Frage, was die wahre Art zu komponieren sei. Beide glaubten, die Antwort gefunden zu haben – Schönberg mit der von ihm entwickelten, grüblerischen Zwölftontechnik, der nur wenig Erfolg beim Publikum beschieden war, Strawinsky mit einer eher eklektischen Kompositionsweise, die das Beste aus der Musikgeschichte geschickt kombinierte und unter dem Label Neoklassizismus höchst erfolgreich vermarktet wurde. Wie sich aus dem Dissens zweier selbstbewusster Komponisten dann ein jahrzehntelanger, ideologisch aufgeladener Streit zwischen zwei verfeindeten Lagern aus Schönberg- und Strawinsky-Anhängern entwickelte, ist eines der faszinierendsten Kapitel der Musikgeschichte.

Das erste Osterkonzert von Kirill Petrenko als Chefdirigent der Berliner Philharmoniker. Der Russe aus dem sibirischen Omsk dirigiert Peter Tschaikowskys »Fantasie-Ouverture«, »Romeo und Julia« sowie die 2. Sinfonie e-Moll von Sergej Rachmaninow. Ein Konzert aus der Berliner Philharmonie.

Berliner Philharmoniker, Kirill Petrenko

Sergej Rachmaninow: Symphonie Nr. 2 e-Moll op. 27
Peter Tschaikowsky: Romeo und Julia, Fantasie-Ouvertüre nach Shakespeare

Im Jahr 1986 wurde Udo Zimmermanns Kammeroper »Weiße Rose« erstmals in der opera stabile in Hamburg uraufgeführt. Jetzt kehrt sie dorthin zurück – als Film und in neuer Form. David Bösch inszeniert die »Weiße Rose« als Graphic Opera. Oper, Filmkunst, Animation und historischer Stoff wie Originalhandschriften verbinden sich zu einem Gesamtkunstwerk. Durch diesen interdisziplinären Zugang wird die Geschichte der Geschwister Scholl auf zeitgemäße Weise präsent. Damit soll ein Bewusstsein für ein besonders sensibles Kapitel unserer Historie geschaffen werden. Zugleich richtet sich der Film in seiner Machart und Relevanz ganz entschieden an ein junges Publikum und versteht sich somit als Auftrag.

«Weiße Rose« erzählt das Drama um das Geschwisterpaar nicht als realistische Handlung, sondern als Seelenwanderung, die die Ereignisse des 22. Februar 1943 in die Gegenwart holt. Der Opernfilm fokussiert sich auf die Grenzsituation zweier junger Menschen – eine Stunde vor ihrer Hinrichtung durch das nationalsozialistische Regime – eine Gratwanderung im Angesicht des Todes, die unter die Haut geht.
Librettist Wolfgang Willaschek beschreibt diese zutiefst ergreifende Situation mit authentischen Worten der Geschwister aus ihren Brief- und Tagebuchaufzeichnungen, durch Prosa und Lyrik von Dietrich Bonhoeffer, Reinhold Schneider, Tadeusz Rózewicz.
«Kunst muss teilnehmen lassen am Menschen« – das ist für Komponist Udo Zimmermann Ansatzpunkt seiner Arbeit. »Weiße Rose« gestaltet er als Dramaturgie des »inneren Theaters«, das persönliche Ängste und Hoffnungen der Protagonisten durchscheinen lässt.

Riccardo Chailly, musikalischer Leiter des »Lucerne Festival Orchestras«, setzt die Gesamteinspielung der Konzerte und Symphonien von Sergej Rachmaninow fort. Für die Ausgabe 2024 des Festivals entschied er sich für das Klavierkonzert Nr. 1, op. 1 des russischen Komponisten. Es entstand, als der junge Rachmaninow noch am Konservatorium in Moskau studierte. Dabei tritt Riccardo Chailly in einen Dialog mit dem russischen Pianisten Alexander Malofeev, der 2014 den renommierten Tschaikowsky-Wettbewerb gewann und nun in Berlin lebt. Zur ersten Zusammenarbeit zwischen dem Orchester, dem Dirigenten und dem Solisten kam es 2019 bei einer Tournee in Shanghai.

Lucerne Festival Orchestra, Riccardo Chailly
Alexander Malofeev (Klavier)

Sergej Rachmaninow: Klavierkonzert Nr. 1, op. 1

KKL Luzern, August 2024

Giuseppe Verdis »Don Carlo« basiert auf Friedrich Schillers Drama »Don Karlos, Infant von Spanien« (1787) und entfaltet sich in einem komplexen Geflecht aus politischen, religiösen und persönlichen Konflikten. Die Oper spielt im Spanien des 16. Jahrhunderts und beginnt mit der geplanten Hochzeit zwischen Carlo und Elisabetta di Valois, die jedoch durch einen Friedensvertrag vereitelt wird, der Elisabetta zur Braut von Carlos Vater, König Philipp II., macht.
Carlo ist zerrissen zwischen seiner Liebe zu Elisabetta und seiner Loyalität zu seinem Vater. Die Situation wird weiter kompliziert durch die Intrigen der Prinzessin Eboli, die Carlos Liebe begehrt, und die politischen Spannungen zwischen Spanien und Flandern. Rodrigo, Carlos treuer Freund, versucht vergeblich, Frieden zu stiften und Carlos Ideale zu verteidigen.

Die Handlung gipfelt in einem tragischen Finale, das von Verdis kraftvoller Musik und intensiven, emotionalen Konflikten getragen wird. Diese Produktion an der Wiener Staatsoper garantiert durch die Inszenierung von Kirill Serebrennikow und die erstklassige musikalische Leitung von Philippe Jordan eine besonders packende und tiefgründige Interpretation dieses Opernklassikers.

Regie, Bühne, Kostüme: Kirill Serebrennikov
Ko-Kostümbildnerin: Galya Solodovnikova
Choreographie und Regieassistenz: Evgeny Kulagin
Mitarbeit Bühnenbild: Olga Pavliuk
Licht: Franck Evin
Video: Ilya Shagalov
Orchester der Wiener Staatsoper, Philippe Jordan
Mit Roberto Tagliavini (Philipp II.), Joshua Guerrero (Don Carlo), Étienne Dupuis (Rodrigo, Marquis von Posa), Dmitry Ulyanov (Der Großinquisitor), Asmik Grigorian (Elisabetta), Eve-Maud Hubeaux (Eboli)

Staatsoper Wien, September 2024

Virtuose »Kracher« und romantische Ohrenschmeichler auf 7 Kontrabässen – ein ungewöhnliches Konzerterlebnis. Was auf den ersten Blick exotisch anmutet, bezaubert, sobald die ersten Töne erklingen. Die Musiker entlocken ihren riesigen Instrumenten Klänge, die man nicht erwartet, von der schwelgerischen Romantik des »Liebestraums« bis zum »fetzigen« Csárdás und dem »Hummelflug«. Das Publikum ist fasziniert, amüsiert – und begeistert.

Ein ungewöhnliches und ziemlich einmaliges Ensemble: aktuell bis zu 10 Mitglieder aus 8 Ländern (darunter Südkorea, Ukraine, Russland, Georgien, Serbien und Armenien), ausgezeichnet mit dem »Europäischen Quartettpreis«, dem ECHO Klassik und dem OPUS. Nach weit über 600 Konzerten in Europa, Asien und den USA (mit Standing Ovations in der Carnegie Hall) feiert BASSIONA AMOROSA sein 25-jähriges Jubiläum mit einem Konzert in der Synagoge Görlitz.
Ein besonderer Konzertort: Die Synagoge in Görlitz ist die einzige sächsische Synagoge, die bei den Novemberpogromen 1938 nicht zerstört wurde. Nach jahrzehntelangem Verfall wurde sie von 1991 an fast dreißig Jahre lang restauriert und bietet mit ihrem exquisiten Jugendstil-Dekor und einer hervorragenden Akustik den idealen Rahmen für dieses ungewöhnliche Konzert.
Als »Special Guest« begrüßt das Ensemble den amerikanischen Marimba-Virtuosen Alex Jacobowitz, der auch Vorsitzender der Jüdischen Gemeinde Görlitz ist.

Ensemble Bassiona Amorosa, Klaus Trumpf

Werke von Nikolai Rimski-Korsakow, Johann Sebastian Bach, Johannes Matthias Sperger, Franz Liszt, Giovanni Bottesini, Alex Jacobowitz, Giorgi Makhoshvili, Sergei Prokofjew, Mikael Tariverdiev, Stefan Schäfer, Simon Garcia

Am Elbstrand erklangen vor bald 200 Jahren die Noten einer revolutionären Oper. Richard Wagner komponierte hier als Dresdner Hofkapellmeister Mitte des 19. Jahrhunderts seinen »Lohengrin«. Damals versetzte der Völkerfrühling Europa in Aufruhr und in der sächsischen Metropole regte sich heftiger Protest gegen die Monarchie. Die Ereignisse prägten die künstlerischen und politischen Ansichten des deutschen Komponisten, der in dieser hitzigen Atmosphäre dazu angetrieben wurde, die Codes der Oper zu durchbrechen und eine neue musikalische Welt zu erschaffen.

Am Elbstrand erklangen vor bald 200 Jahren die Noten einer revolutionären Oper. Richard Wagner komponierte hier als Dresdner Hofkapellmeister Mitte des 19. Jahrhunderts seinen »Lohengrin«. Damals versetzte der Völkerfrühling Europa in Aufruhr und in der sächsischen Metropole regte sich heftiger Protest gegen die Monarchie. Die Ereignisse prägten die künstlerischen und politischen Ansichten des deutschen Komponisten, der in dieser hitzigen Atmosphäre dazu angetrieben wurde, die Codes der Oper zu durchbrechen und eine neue musikalische Welt zu erschaffen.

Die 9. Symphonie von Ludwig van Beethoven (1770-1827) wurde am 7. Mai 1824 uraufgeführt. Zum 200. Jahrestag führen Andris Nelsons und das Gewandhausorchester Leipzig das monumentale Werk in einem Festkonzert auf. Die herausragenden Solisten Golda Schultz, Patricia Nolz, Piotr Beczała und Bryn Terfel interpretieren die Symphonie mit dem MDR-Rundfunkchor und dem Gewandhauschor neu.

Das Leipziger Gewandhaus hatte mit frühen Aufführungen und Zyklen eine rezeptionsgeschichtliche Schlüsselfunktion für Beethovens Musik. Beethovens Neunte wurde hier erstmals am 6. März 1826 aufgeführt und sogleich »auf Verlangen« wiederholt. Felix Mendelssohn Bartholdys (1808-1847) bahnbrechende Interpretationen etablierten sie im Spielplan des Gewandhauses, und bald erklang die Chorsymphonie in jeder Saison, meist zum Abschluss. Auch der heute weit verbreitete Brauch, den Jahreswechsel mit diesem weltumspannenden Werk zu begehen, hat seine Wurzeln in Leipzig.

MDR-Rundfunkchor, Gewandhauschor
Gewandhausorchester Leipzig, Andris Nelsons
Mit Golda Schulz (Sopran), Patrizia Nolz (Alt), Piotr Beczała (Tenor), Bryn Terfel (Bariton)

Ludwig van Beethoven: Symphonie Nr. 9 d-Moll, op. 125

Aus dem Gewandhaus zu Leipzig, 2024

Als Erfinder der Zwölftonmusik hat Arnold Schönberg (1874-1951) die Musik geprägt wie kaum ein Zweiter. Die Dokumentation zeigt ihn als Entdecker und »Neudenker« in vielen Lebensbereichen. Zum 150. Geburtstag gibt es exklusive Interviews und Konzertaufnahmen, die Einblick bieten in das Leben des visionären Künstlers. Dirigent, Komponist und Klarinettist Jörg Widmann findet Worte der Bewunderung für einen der wichtigsten Komponisten des 20. Jahrhunderts: »Das, was Beethoven […] in der Musik gemacht hat und keinen Stein auf dem anderen gelassen hat, das hat später […] Arnold Schönberg auch gemacht.«

Arnold Schönbergs (1874-1951) musikalische, religiöse und politische Überzeugungen und sein Pioniergeist sind einzigartig. Er hat komponiert, gemalt, geschrieben und die ein oder andere lustige Sache erfunden: ein vierseitiges Schachspiel zum Beispiel – oder eine Kurzschrift, um Tennisspiele besser zu notieren. Unveröffentlichtes Archivmaterial zeigt Schönberg beim Tennis mit seinen Kindern und wir sehen Ausschnitte seiner berühmten Komposition »Die Jakobsleiter«, die seit der Uraufführung 1961 in Wien nie mehr gesendet wurde.

Tochter Nuria Schönberg-Nono und die beiden Söhne Lawrence und Ronald erinnern sich an das Leben mit ihrem Vater, und nehmen uns mit in das Haus der Familie in Los Angeles. Durch Auftritte von Schauspieler Dominique Horwitz wird Arnold Schönberg lebendig: Horwitz zitiert aus Briefen und Tagebüchern und tritt als Performer von Schönberg-Stücken auf.
In seinem Dokumentarfilm zeigt Regisseur Andreas Morell die Rastlosigkeit, die das Leben des Komponisten geprägt hat. Von Wien über Berlin und Venedig bis in die USA führte Schönbergs Weg – geprägt von privaten Katastrophen und Brüchen, von zwei Weltkriegen, Exil und nicht zuletzt den vielen Diskriminierungen, die er als jüdischer Komponist erfahren musste. Künstler wie die Geigerin Patricia Kopatchinskaja, der Dirigent, Klarinettist und Komponist Jörg Widmann und viele weitere Persönlichkeiten aus Musik und Kunst kommen zu Wort und gratulieren Arnold Schönberg mit diesem Dokumentarfilm zum 150. Geburtstag.

Zwölf Töne der chromatischen Tonleiter, zwölf Auszüge aus Arnold Schönbergs (1874-1951) emblematischen Werken: von »Pelléas et Mélisande« bis »Erwartung«, von »Pierrot lunaire« bis zu seinem Konzert für Violine und Orchester. In Ausschnitten aus zwölf Hauptwerken Arnold Schönbergs wetteifern das Orchestre de Paris, Sänger und Klavier in einer Inszenierung des Regisseurs Bertrand Bonello um ein getreues Abbild der musikalischen Vielfalt des Komponisten. 100 Orchestermusiker und 80 Chorsänger sowie Schauspieler und Tänzer aus dem Pierre-Boulez-Saal stehen für die Aufführung auf der Bühne.

Arnold Schönberg (1874-1951), einer der zentralen Musiker des 20. Jahrhunderts, war nicht nur ein radikaler Erneuerer des musikalischen Denkens, sondern auch Theoretiker und Maler, der seine Gedanken immer wieder in synästhetisch gefärbten Selbstporträts einfing. Schönberg prägte die sogenannte Zwölftontechnik – eine Methode, mit 12 Tönen zu komponieren. Die Dirigentin Ariane Matiakh und der Regisseur Bertrand Bonello präsentieren das »Phänomen Schönberg« in seiner ganzen kaleidoskopischen Vielfalt – als Wegbereiter einer neuen musikalischen Epoche, aber auch als sogenannter entarteter Komponist, wie Schönberg von den Nazis bezeichnet wurde.

Dabei steht die Zahl 12 im Mittelpunkt: Die Zuschauer entdecken Schönberg in den zwölf Tönen der chromatischen Tonleiter, auf denen das Zwölftonsystem fußt, aber auch in zwölf Auszügen aus Werken, die für seine Vorstellungswelt typisch sind – von »Pelléas et Mélisande« bis »Erwartung«, von »Pierrot lunaire« bis zu seinem Konzert für Violine und Orchester.

Bonellos Inszenierung ist ein groß angelegtes visuelles Projekt, das die Architektur des Pierre-Boulez-Saals in der Berliner Philharmonie nutzt, um die Qualen und Tragödien der Welt, in der Schönberg lebte, zu veranschaulichen.
Dabei pulsiert die Aufführung im Rhythmus der großen Klangkörper im Saal – 100 Orchestermusiker und 80 Chorsänger. Zwischen Schauspielern und Tänzern auf der Bühne entsteht unter Matiakhs Leitung ein Dialog mit den Solisten, dem Klavier und dem Orchester. Im Hintergrund machen fantastische Formen den Zeitgeist sichtbar, der Schönbergs Werke prägte.

Sie zählen zu den Glanzstücken des zeitgenössischen Schlagzeugrepertoires: »Pleiades« und »Persephassa« von Iannis Xenakis – eigens komponiert für das Ensemble Les Percussions de Strasbourg. Für die Aufführung der beiden Werke hatte Xenakis eine spezielle räumliche Anordnung vorgesehen, die so jedoch nie umgesetzt wurde. Die neue Generation der Percussions de Strasbourg hat sich dieser Aufgabe angenommen und »Pleiades« und »Persephassa« nun erstmals in jener Konstellation auf die Bühne gebracht, die sich der Ausnahmekomponist gewünscht hat.

»Pleiades« zählt zu Xenakis’ schönsten Werken. Die reichen Klangfarben sowie die freie und stimmige Komposition machen das Stück zu einem einzigartigen, rhythmischen Abenteuer. Der Titel ist den Plejaden entliehen, dem Siebengestirn neben dem Sternbild Stier. Zum Einsatz kommen Stabspiele wie Vibrafon und Marimba, verschiedenste Schlaginstrumente und ein speziell für diese Komposition entwickeltes Metallinstrument: das Sixxen.

»Persephassa« gilt als Klassiker des Schlagzeugrepertoires. Das Ensemble Les Percussions de Strasbourg, dem das Stück gewidmet ist, brachte Xenakis‘ Meisterwerk 1969 im Iran erstmals auf die Bühne. Das Stück gleicht einem Tanz der Derwische, doch Xenakis strebt mit seiner Komposition nicht nach Trance: Immer wieder lösen kurze, unvorhersehbare Unterbrechungen das Publikum aus dem Zustand der Entrückung – und erfassen es wenig später wieder in einem Strudel der Beschleunigung.

Les Percussions de Strasbourg

Iannis Xenakis: Pleiades, Persephassa

Cité de la Musique Paris, 19.03.2022

Nagasaki auf der japanischen Insel Kyushu ist der Schauplatz von Giacomo Puccinis (1858-1924) berühmter Oper »Madame Butterfly«. Nach dem überwältigenden Erfolg von »La Bohème« (1896) und »Tosca« (1900) avancierte der Komponist im frühen 20. Jahrhundert zum prominentesten Vertreter der italienischen Oper. 1904 wurde »Madame Butterfly« in der Mailänder Scala uraufgeführt. Das Stück handelt von einer sogenannten Mischehe zwischen einer Japanerin und einem westlichen Ausländer: Die Japanerin Cio-Cio-San wird von einem egoistischen amerikanischen Offizier verführt und ebenso schnell wieder fallen gelassen. Ein musikalisches Drama, das zu Herzen geht!